Андрей Новиков

На сегодняшний день Андрей Новиков один из самых ярких и перспективных молодых художников современности.

Живопись Андрея Новикова многослойна, глубока и кинематографична. Герои его работ живут своей жизнью и выходят к зрителю буквально юнгианскими архетипами, собранными точными мазками в узнаваемые лица и события. Мы узнаем в них себя, даже если это плюшевые медведи.

Своими работами художник встает в один ряд с большими мастерами прошлого, но уже в новом времени, времени метамодерна, времени неореализма в живописи. Его композиционные решения складываются не из линий, но из цвета, гармоний колористических решений и завораживающей, музыкально-точной тональности.

Andrey Novikov

Andrey Novikov is one of the brightest and most promising young artists of contemporary art. His painting style is multi-layered, deep, and cinematic. The characters in his artworks come to life and are reminiscent of Jungian archetypes with recognizable faces and events. We see ourselves in them even they are plush teddy bears.

Novikov's art is comparable to the great masters of the past. However, the it belongs to the new era, the era of metamodernism and neorealism in painting. He approaches composition not through lines but through hue, harmonious color schemes, and mesmerizing, musically precise tonality.

Awards and Honors

2019 – Shortlist "PortraitNow2019" Denmark, Frederiksborg

2019 – Gold medal The Creative Union Of Artists Of Russia Moscow, Russia

2018 - Winner of Jury Show of pencil drawing "Shape and character" Moscow, Russia

2017 - Winner of International digital Exhibition-competition of contemporary art Shadrinsk, Russia

2016 - Grant of the Governor of the Stavropol Region for achievements in art and culture. Stavropol, Russia

2013 - Diploma of 1st degree at the festival of youth culture "ART Square" Pyatigorsk, Russia

2011 - Diploma "For Contribution to Russian Culture" of the Russian Academy of Arts. Moscow, Russia

ДАНИИЛ АРХИПЕНКО

В своих работах Даниил наследует большим старым мастерам, совмещает виртуозное владение классическими живописными техниками. Валерность в работах Архипенко, уровень владения передачей световоздушной среды и глубиной цвета и света, отсылает нас к работам Уильяма Тернера и Шардена. Проходя по тонкой грани между реализмом и абстракцией, благодаря размытости границ и плавным переходам от темных оттенков к светлым, складывается ощущение мощной стихии, подчиняющей все вокруг, и, одновременно, надежды на обретение силы. Антитеза ничтожности человека и демиургической силы природы, противостояние реальности, как глобальное отражение перманентных сомнений, рефлексий и внутренних стремлений личности самого человека – основной лейтмотив работ Даниила Архипенко.

Избранные персональные выставки:

2021 -  “Отпечатки” глава “Рождение“ “Человек“  Ural Vision Gallery, Екатеринбург, Россия

2018 – «Несвязанный наблюдатель», UVG Art Gallery, Будапешт, Венгрия

2018 – «Несвязанный наблюдатель», Ural Vision Gallery, Екатеринбург, Россия

2015 – «Стихии», Ural Vision Gallery, Екатеринбург, Россия

Избранные групповые выставки:

2019 - Вперед смотрящий, Кронштадт

2016–2017 – «Против течения», Передвижная выставка, Академия художеств, Москва – Саратов – Тула – Казань, Россия.

2015–2016 – «Красные ворота», Передвижная выставка, Академия художеств, Москва-Белград, Россия-Сербия.

2015 – «Строгость и красота», Ural Vision Gallery Budapest, Будапешт, Венгрия

2015 – «Абсолютная красота. Неоакадемизм в Санкт-Петербурге», Людвиг Музей, Будапешт, Венгрия

2014 – «Строгость и красота», Ural Vision Gallery, Екатеринбург, Россия

2013 – Олимпийская Выставка Новой Академии, Санкт-Петербург, Россия

Работы находятся в собраниях Мурманского художественного музея изобразительных искусств; Псковского музея изобразительных искусств; в коллекциях Семья Костаки, Греция и Ural Vision Foundation, Россия-Венгрия.

Участник международной ярмарки современного искусства Cosmoscow 2017, 2018 и 2022.

Работы Даниила Архипенко из проекта «Несвязанный наблюдатель» использованы в художественном оформлении станции метро «Новокрестовская» в Санкт Петербурге.

DANIIL ARKHIPENKO

In his works, Daniil Arkhipenko, born in 1985, inherits from the old masters, combining virtuoso mastery of classical painting techniques. The color values in his works, the level of his control over the transmission of light, air, depth are reminiscent of the works of William Turner and Chardin. Straddling the fine line between realism and abstraction, the blurred boundaries and smooth transitions from dark to light shades creates a sense of a powerful force of nature that subdues everything around and, at the same time, gives hope for gaining strength. The antithesis of the insignificance of humans and the demiurgic power of nature, the opposition of reality as a global reflection of permanent doubts, reflections and inner aspirations of the individual, is the main theme of Daniil Arkhipenko's works.

Selected personal exhibitions:

2021 - "Imprints" chapter "Birth" "Man" Ural Vision Gallery, Yekaterinburg, Russia

2018 - "Disconnected Observer", UVG Art Gallery, Budapest, Hungary

2018 - "Disconnected Observer", Ural Vision Gallery, Yekaterinburg, Russia

2015 - "Elements", Ural Vision Gallery, Yekaterinburg, Russia

Selected group exhibitions:

2019 - Forward-looking, Kronstadt

2016-2017 - "Against the Current", Travelling Exhibition, Academy of Arts, Moscow - Saratov - Tula - Kazan, Russia.

2015-2016 - "Red Gates", Travelling Exhibition, Academy of Arts, Moscow-Belgrade, Russia-Serbia.

2015 - "Strictness and Beauty", Ural Vision Gallery Budapest, Budapest, Hungary

2015 - "Absolute Beauty. Neoclassicism in St. Petersburg", Ludwig Museum,

Budapest, Hungary

2014 - "Strictness and Beauty", Ural Vision Gallery, Yekaterinburg, Russia

2013 - Olympic Exhibition of the New Academy, St. Petersburg, Russia

Works are in collections: Murmansk Art Museum of Fine Arts; Pskov Museum of Fine Arts; The Costakis Family, Greece; Ural Vision Foundation, Russia-Hungary.

Participant of the international contemporary art fair Cosmoscow 2017, 2018 and 2022.

Daniel Arkhipenko's works from the "Disconnected Observer" project were used in the artistic design of the "Novokrestovskaya" metro station in St. Petersburg.

ДМИТРИЙ ГУТОВ

Дмитрий Гутов – живой классик. Он по праву является одной из центральных и ключевых фигур российского современного искусства. Он больше, чем художник, он идеолог, арт-критик, теоретик и современный философ.

По шуточному выражению Бориса Гройса, «Гутов – идеологический терминатор»

Первая выставка мастера прошла в 1988 году. Впоследствии, Дмитрий Гутов принял участие более чем в 40 персональных и 170 коллективных выставках по всему миру, среди которых Венецианская биеннале (1995, 2007, 2011), Стамбульская биеннале (1992), Манифеста (1996) в Роттердаме, биеннале 2002 года в Сан-Паулу, Сиднейская биеннале (2006), documenta (2007), Триеннале Этиго-Цумару в Японии (2007), Шанхайская биеннале (2012) и многие другие.

Работы художника содержатся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Центра современного искусства Луиджи Печи в Прато и Центра Помпиду в Париже, Частного музея русской иконы, Государственного центра современного искусства, Московского музея современного искусства, Мультимедиа Арт Музея, Музея актуального искусства ART4.RU, Stella Art Foundation, Фонда культуры «Екатерина», Эрарты, Нового музея, коллекциях Газпромбанка, американского финансового конгломерата «Меррилл Линч», концерна Daimler в Берлине, Курганского областного художественного музея, художественного музея «Рижская биржа.

Персональные выставки Дмитрия Гутова проводились в том числе в ГМИИ им. А. С. Пушкина, Художественный музей «Рижская биржа», Рига, Латвия, Галерея М & Ю Гельман, Государственной Третьяковской галерее, Matthew Bown Gallery (Лондон), Центр современного искусства(ЦСИ), Москва. 

Как художник, Дмитрий работает с графикой, живописью, скульптурой, инсталляциями, цифровым искусством, переходя от одной формы медиа к другой и демонстрируя буквально ренессансный масштаб личности.

Его работам характерно обращение к истории культуры и цитирование классической литературы. Гутов апроприирует работы Веласкеса и Рембрандта, классическую литературу и современную публицистику, русскую иконопись и восточную каллиграфию, элементы цифрового дизайна и московский концептуализм. Он создает новые прочтения и придает новые смыслы, свободно оперирует любыми объектами культуры независимо от времени и пространства и превращает их в актуальные явления современного искусства.

DMITRY GUTOV

Three works by the master containing quotes from Shakespeare's "King Lear" are presented at the auction. In this series, the painter refers to those literary works and masterpieces that hold the most personal meaning to him, that created him - the person and the artist Dmitry Gutov. The series started in the 1980s, when times were also dark, but there was a feeling that this darkness was before dawn. Therefore, in the early works of the series, gloomy statements of great authors contrasted with the joyful palette and style of the work itself, reminiscent of candy wrappers. At that time, despite the fact that the rhetoric of Soviet ideology still dominated everything, the viewer understood that it was a wrapper, a piece of paper.

Now, when the evil that we hoped would vanish has returned to public life, it seems ominous and only gaining strength, becoming more powerful and meaningful. Therefore, the author no longer plays with the contrast of form and content. Now his fonts are gothic, the palette is gloomy.

Does this mean that the work is meant to crush the viewer already crushed by modern news? After all, the work does not reconcile us with reality, it does not give hope. But Gutov still asserts that even in such difficult times, art helps to survive. It allows us to express what is so inexpressible and tormenting for each of us. And this is already a relief.

ABOUT THE ARTIST:

Dmitry Gutov is a living classic and rightfully considered one of the central and key figures in contemporary Russian art. He is more than just an artist, he is an ideologist, art critic, theorist, and modern philosopher. According to Boris Groys' humorous observation, "Gutov is an ideological terminator."

The master's first exhibition was held in 1988. Dmitry Gutov has since participated in more than 40 solo and 170 group exhibitions around the world, including the Venice Biennale (1995, 2007, 2011), Istanbul Biennale (1992), Manifesta (1996) in Rotterdam, the 2002 Biennale in Sao Paulo, Sydney Biennale (2006), Documenta (2007), Echigo-Tsumari Triennale in Japan (2007), Shanghai Biennale (2012), and many others.

The artist's works are held in collections of the State Tretyakov Gallery, the State Russian Museum, the Luigi Pecci Center for Contemporary Art in Prato, and the Pompidou Center in Paris, as well as in the Private Museum of Russian Icons, the State Center for Contemporary Art, the Moscow Museum of Modern Art, the Multimedia Art Museum, the ART4.RU Museum of Contemporary Art, the Stella Art Foundation, the Ekaterina Cultural Foundation, Erarta, the New Museum, the Gazprombank collections, Merrill Lynch, and the Daimler concern in Berlin, among others.

Dmitry Gutov's solo exhibitions have been held at the Pushkin State Museum of Fine Arts, the Art Museum "Riga Bourse," Riga, Latvia, the M&J Guelman Gallery, the State Tretyakov Gallery, the Matthew Bown Gallery (London), and the Center for Contemporary Art (CCA), Moscow.

As an artist, Dmitry works with graphics, painting, sculpture, installations, digital art, transitioning from one media form to another and demonstrating a truly Renaissance scale of personality. His works are characterized by references to the history of culture and quotations from classical literature. Gutov appropriates the works of Velázquez and Rembrandt, classical literature and modern journalism, Russian icon painting and Eastern calligraphy, elements of digital design and Moscow conceptualism. He creates new interpretations, gives them new meanings, freely operates with any cultural objects regardless of time and space, and turns them into relevant phenomena of modern art.

АНДРЕЙ ЛОГВИН

Звезда графического дизайна и рекламы, получивший множество профессиональных наград за свои рекламные и социальные плакаты. Плакат Андрея Логвина «Жизнь удалась», «написанный» красной и черной икрой с 1997 года стал визитной карточкой автора.

Художник-график, известнейший русский плакатист, академик графического дизайна, задавший новый уровень искусству плаката и силе слова. Точные высказывания, отражение времени постмодерна в буквах, где меткие посты в соцсетях могут превратится в станковое искусство, глубокие смыслы в ироничных и метких, нарочито-небрежно шрифтах и предвосхищение искусства будущего – вот что лежит в основе его афористических работ. 

Работы Андрея Логвина - это всегда то, что мы бы хотели сказать сами, но первый придумал и сказал он. 

Академик графического дизайна и член Alliance Graphique International (AGI). Обладатель более 30 премий международных и российских конкурсов дизайна и рекламы. Представлен в справочнике «Who is who in Graphic Design» (300 лучших дизайнеров мира). В 2004 году китайское издательство Lignan Art Publishing House на 165 страницах выпустило монографию «Andrey Logvin». 

Плакаты Логвина находятся в собраниях следующих музеев и организаций:

• Государственная Третьяковская галерея, Москва;

• Государственная библиотека им. Ленина, Москва;

• Государственный Русский музей, Санкт-Петербург;

• Музей плаката в Вилянуве, Варшава, Польша;

• Моравская Галерея, Брно, Чехия;

• Коллекция плаката университета Колорадо, Форт-Коллинз, США;

• Музей Современного искусства в Тояма, Япония;

• Музей Плаката в Огаки, Япония;

• Художественный музей Лахти, Финляндия;

• Новый Художественный Музей Мюнхена, Германия;

• Коллекция Галереи «М’АРС», Москва.

ANDREY LOGVIN

Andrey Logvin is a star of graphic design and advertising, who has received numerous professional awards for his advertising and social posters. Logvin's poster "Life is Good", created with red and black caviar in 1997, has become the author's hallmark.

Logvin is a graphic artist, the most famous Russian poster artist, an academician of graphic design who has set a new level of art for posters and the power of words. His precise statements reflect the postmodern era in letters, where sharp social media posts can turn into fine art, and deep meanings are expressed through ironic and cleverly designed fonts, anticipating the art of the future.

Logvin's works always convey what we would like to say ourselves, but he was the first to come up with and say it.

He is an academician of graphic design and a member of the Alliance Graphique International (AGI). He has won over 30 awards from international and Russian design and advertising competitions. He is featured in the directory "Who is Who in Graphic Design" (300 best designers in the world). In 2004, the Chinese publishing house Lignan Art Publishing House published a monograph "Andrey Logvin" on 165 pages.

Logvin's posters can be found in the collections of the following museums and organizations:

• State Tretyakov Gallery, Moscow;

• State Lenin Library, Moscow;

• State Russian Museum, St. Petersburg;

• Poster Museum in Wilanow, Warsaw, Poland;

• Moravian Gallery, Brno, Czech Republic;

• Poster Collection at Colorado State University, Fort Collins, USA;

• Museum of Contemporary Art in Toyama, Japan;

• Poster Museum in Ogaki, Japan;

• Lahti Art Museum, Finland;

• New Munich Art Museum, Germany;

• Collection of the M'ARS Gallery, Moscow.

НАНА ТАТИШВИЛИ

Грузинский Бердслей, как метко сказал о Нане Теодор Курентзис. Легкость и точность в ее графических работах будто вытаскивает из пятен туши линии, а из линий складывает слова. А из слов – поэзию. Поэзия графики Наны Татишвилли складывается из фантастических реминисценций на классические темы – античные мифы, древние сказания, японские притчи, старинные сказки, архетипично-точные, вечные образы, которые поражают своей глубиной и остротой. Графика Наны интеллектуальна в своей основе. Своеобразная техника, в которой художница специально отказывается от цвета, удивительна. Лишь китайская тушь и кисть из ворса козы. В ее рисунках – только черный и белый, отсутствуют градации полутонов, как «да и «нет», как «свет» и «тьма». Сплошная заливка в контрасте с белыми плоскостями, удивительно декоративна и драматична одновременно. По своей сути графика Наны Татишвили выходит за рамки искусства, туда, где живопись воспринимается как форма динамической медитации.

NANA TATISHVILI

The world famous conductor Theodor Currentzis aptly called Nana Tatishvili “a Georgian Berdsley”. The ease and precision in her graphic works seem to extract lines from ink spots, words from lines, and poetry from words. The poetry of Nana Tatishvili's graphics is composed of fantastic reminiscences of classical themes - ancient myths, folk tales, Japanese parables, ancient fairy tales, archetypal-precise, eternal images that amaze with their depth and sharpness. Nana's graphics is intellectual.

Her unique technique, in which the artist deliberately refuses color, is amazing. Only Chinese ink and a brush made of goat hair are used in her drawings. In her drawings, there is only black and white, there are no shades of gray, only "yes" and "no," only "light" and "darkness." The solid fill in contrast with the white areas is amazingly decorative and dramatic at the same time.

By its nature, Nana Tatishvili's graphics go beyond the boundaries of art, to where painting is a form of dynamic meditation.

АНДРЕЙ БАРТЕНЕВ

Воистину лицо эпохи, появившееся, казалось, из ниоткуда в анархичной Москве 90-х и сразу ставшее рупором абсолютной свободы и наступившего будущего. Впрочем, уже к 90-м Андрей Бартенев входил в состав объединения «Салон Свободных Художников». 

Андрей Бартенев - автор перформансов, куратор, художник, график, дизайнер, модельер, автор ряда известных скульптурных перформансов, таких как Ботанический Балет, Снежная королева, Минеральная вода, Королевская семья возвращается и др. Родился в 1969 г. в г. Норильске. Окончил Краснодарский художественный институт. С 1996 г. - член Московского Союза художников. В 2004 году на 8ой Международной художественной ярмарке APT МОСКВА скульптура Бартенева «Лондон под снегом» пользовалась большим творческим и коммерческим успехом. 

Работы Бартенева отсылают к традициям русского авангарда – абсурдные и провокативные перформансы и инсталляции, дерзкая и смешная графика, острые, странные коллажи. По сути, Бартенев - наследник идей русских футуристов, продолжающий их идеи.  Чаще всего Андрей опирается на три цвета, вкладывая в них особый символизм. Обычно это черный и белый – как отсылка к полярным ночам Норильска и некий флуоресцентный яркий цвет, чаще оранжевый, как выкрик, как высказывание, как отражение внешнего и внутреннего “я” Андрея Бартенева. Работы Бартенева неоднократно выставлялись в крупнейших музеях современного искусства за рубежом, находятся в российских и зарубежных галереях, частных и корпоративных собраниях: Расо Rabanne, Andrew Logan, Brian Eno, Zandra Rhodes, Zimmerli Museum Collection, New Jersey, Новая Академия Тимура Новикова, СПб, Музей уникальных кукол, Москва, Музейный комплекс Царицыно, Москва.

ANDREI BARTENEV

Andrey Bartenev is truly a face of the era, appearing seemingly out of nowhere in anarchic Moscow in the 90s and immediately becoming a voice for absolute freedom and the coming future. However, by the 90s, Andrey Bartenev was already part of the "Salon of Free Artists" union. Today, he is a performance artist, curator, and artist who experiments constantly with textures and materials.

Andrey Bartenev is an artist, graphic designer, fashion designer, and author of several famous sculptural performances, such as "Botanical Ballet," "Snow Queen," "Mineral Water," "The Royal Family Returns," and others. He was born in 1969 in Norilsk and graduated from the Krasnodar Art Institute. Since 1996, he has been a member of the Moscow Union of Artists. In 2004, his sculpture "London under Snow" was a great creative and commercial success at the 8th International Art Fair APT MOSCOW. 

Bartenev's works have been exhibited multiple times in major contemporary art museums abroad and can be found in Russian and foreign galleries, private and corporate collections such as Paco Rabane, Andrew Logan, Brian Eno, Zandra Rhodes, Zimmerli Museum Collection (New Jersey), New Academy of Timur Novikov (St. Petersburg), Museum of Unique Dolls, (Moscow), Tsaritsyno Museum Complex (Moscow).

Bartenev's works are reminiscent of the traditions of the Russian avant-garde - absurd and provocative performances and installations, daring and humorous graphics, sharp and strange collages. Essentially, Bartenev is the heir to the ideas of Russian futurists. He is a continuer of their ideas. He often relies on three colors, imbuing them with special symbolism. Usually, these are black and white, as a reference to Norilsk's polar nights, and a fluorescent bright color, often orange, as a shout, an expression, a reflection of Andrey's external and internal self.

Сарвар Cулайман

Сарвар Cулайман родился в 1983 году в Коканде (Узбекистан).

С 1999 - Участник республиканских выставок.

В 1998 году поступил в Республиканское художественное училище П. П. Бенькова, отделение "станковая живопись".

В 2002-2008 году - в Национальный институт художеств и дизайна им. К. Бехзода на факультет монументальной живописи, где обучался под руководством известных художников, таких как Баходыр Джалалов, Акмаль Нур.

В 2000-2008 гг. занимался в арт-студии у опытного художника Яниса Салпинкиди. 

После окончания института в 2008 году начал преподавать в Ташкентском Архитектурно-строительном институте, предмет «Рисунок, живопись и композиция». Участник республиканских выставок, в том числе Фестиваля традиционного и современного искусства «Навкирон Узбекистон».

15.06.2012 -  Выставка творческого объединения "Круг и..." на тему "Противоположности", во Дворце творчества молодёжи, Ташкент.

21.07.2017 - Выставка творческого объединения "Круг и..." на тему "Свет", Дом фото.

08.06.2018 объединения "Круг и..." на тему "Этюд", Академия художеств Узбекистана.

Член союза художников  с 2008 Академии Узбекистан. 

Работы художника находятся в частных коллекциях России, Кореи, США, Австрии, Словакии, Ирана, Латвии, Израиля, а также были представлены на выставках в Турция, г.Конья и г. Стамбул, Словакия, г.Нитра и Выставка современного  искусства г.Братислава (Выставка современного  искусства).

Sarvar Sulayman

Sarvar Sulayman was born in 1983 in Kokand, Uzbekistan. He has been participating in republican exhibitions since 1999. 

In 1998, he entered the Republican Art School named after P.P. Benkov, specializing in "easel painting". From 2002 to 2008, he studied at the National Institute of Arts and Design named after K. Behzod, specializing in monumental painting under the guidance of famous artists such as Bakhtiyor Jalalov and Akmal Nur. From 2000 to 2008, he worked in the art studio of the renowned artist Janis Salpigidis. 

After graduating from the institute in 2008, he began teaching "Drawing, Painting, and Composition" at the Tashkent Architectural and Construction Institute. He has participated in republican exhibitions, including the Festival of Traditional and Contemporary Art "Navkiron Uzbekiston". On June 15, 2012, he participated in the "Opposites" exhibition of the creative association "Circle and..." at the Palace of Youth Creativity in Tashkent. On July 21, 2017, he participated in the "Light" exhibition of the creative association "Circle and..." at the House of Photography. On June 8, 2018, he participated in the "Etude" exhibition of the creative association "Circle and..." at the Academy of Arts of Uzbekistan. He has been a member of the Union of Artists of the Academy of Uzbekistan since 2008. 

The artist's works are in private collections in Russia, Korea, the United States, Austria, Slovakia, Iran, Latvia, and Israel, and have also been presented at exhibitions in Turkey (Konya and Istanbul), Slovakia (Nitra), and Bratislava (Exhibition of Contemporary Art).

ГОША ОСТРЕЦОВ

Художник Георгий Острецов не понаслышке знает всю российскую арт-сцену. Уже в 80-х он стал участником известного арт-сообщества «Детский сад», которое организовало сквот в пустующем детском саду. В 1984 году окончил театрально-художественное училище при Большом театре в Москве, а спустя четыре года уехал в Париж, где работал с дизайнерами  моды, такими, как Жан–Поль Готье и Жан–Шарль де Кастельбажак и сотрудничал с галереей Perrotin. Прожив во Франции 10 лет, Острецов вернулся в Москву. 

Сегодня работы художника можно увидеть в Московском музее современного искусства, в Русском музее и Третьяковской галерее. В 2009 году Георгий стал одним из участников выставки в Российском павильоне на 53–й Венецианской биеннале современного искусства.

Острецов -  яркий представитель эпохи постмодерна. Его образы смешны и провокативны, построены на узнаваемых штампах социального поведения, на исследовании соотношения личного и публичного, личности и толпы, на ироническом переосмыслении массовой культуры, политики, современного «пути героя» новой формации в эстетике комикса.

GOSHA OSTRETZOV

Gosha (Georgy) Ostretzov is not a newcomer on the Russian art landscape. In the 80s, he became a member of the famous art community "Kindergarten," which organized a squat in an abandoned kindergarden. In 1984, he graduated from the Theater and Art School at the Bolshoi Theatre in Moscow.

Four years later, he went to Paris, where he worked with fashion designers such as Jean-Paul Gaultier and Jean-Charles de Castelbajac and collaborated with the Perrotin gallery. After living in France for ten years, Ostretzov returned to Moscow.

Today, the artist's works can be seen at the Moscow Museum of Modern Art, the Russian Museum, and the Tretyakov Gallery. In 2009, Georgy became one of the participants in the exhibition at the Russian pavilion at the 53rd Venice Biennale of contemporary art.

Ostretzov is a bright representative of the postmodern era. His images are funny and provocative. They are built on recognizable stereotypes of social behavior, on the exploration of the relationship between personal and public, personality and the crowd, on an ironic rethinking of mass culture, politics, and the modern "hero's path" of the new formation in comic aesthetics.

ИГОРЬ ПЛОТНИКОВ

«Континуумизм» - направление в искусстве, сформулированное Игорем Плотниковым в конце 80х – согласно которому пространство и время, дух и материя, непрерывны, едины, однородны и взаимосвязаны. Живопись этого направления стремится изобразить мир, как единый живой организм, познаваемый художником путем слияния с объектом, посредством линий, и пытается ввести в плоскость холста третье измерение – время. Игорь Плотников родился 1967 году в Обнинске, в семье профессора В.Г. Плотникова, ученого-физика, всемирно известного специалиста в люминесцентной спектроскопии и фотоники. Начал заниматься живописью в 1988 году, будучи студентом Ленинградского Кораблестроительного Института. Тогда же возникло направление континуумизм, которому Плотников следует до сих пор.
Персональные выставки состоялись в 1992 году в Музее-квартире Ф.М. Достоевского и в 2012 году в Лофт-проекте “Этажи”.
Участвовал в групповых выставках в Москве, Братиславе, Киеве, Лиссабоне, Порто-Сант-Эльпидио (Италия), Стокгольме, Хельсинки. С 2015 года постоянный участник выставок Объединения “Паразит”. Работы находятся в собрании Лувра (Париж), МоМА (Нью Йорк), Мордовского республиканского музея изобразительных искусств имени С. Д. Эрьзи (Саранск), Кунстхалле (Берлин), а также в частных собраниях в России, Японии, Германии, Уругвая.

IGOR PLOTNIKOV

"Continuumism" is a trend in art formulated by Igor Plotnikov in the late 1980s, according to which space and time, spirit and matter, are continuous, unified, homogeneous, and interconnected.

The painting of this direction strives to depict the world as a single living organism, which the artist perceives by merging with the object through lines, and tries to introduce the third dimension - time - onto the canvas.

Igor Plotnikov was born in 1967 in Obninsk, in the family of Professor V.G. Plotnikov, a physicist, a world-renowned expert in luminescent spectroscopy and photonics. He began painting in 1988, while studying at the Leningrad Shipbuilding Institute. It was then that the direction of continuumism emerged, which Plotnikov still follows today.

Personal exhibitions took place in 1992 at the Museum-Apartment of F.M. Dostoevsky and in 2012 at the Loft-Project Floors. He has participated in group exhibitions in Moscow, Bratislava, Kiev, Lisbon, Porto Sant'Elpidio (Italy), Stockholm, and Helsinki. Since 2015, he has been a permanent participant in exhibitions of the Parasite Association.

His works are in the collections of the Louvre (Paris), MoMA (New York), the Mordovian Republican Museum of Fine Arts named after S.D. Erzy (Saransk), KunstHalle (Berlin), as well as in private collections in Russia, Japan, Germany, and Uruguay.

ЕКАТЕРИНА СЫСОЕВА

Акварель для Екатерины Сысоевой буквально способ общения с миром и с собой. Она фиксирует обычную жизнь, фокусируется на деталях, раскрывает своих персонажей через эту акварельную сложность планирования и импровизации одновременно. Художественное высказывание Сысоевой — это некий ответ и отклик на неопределенность реальности: перевернутые смыслы и понятия окружающей действительности предполагают язык абсурда. Ее работы словно выход в новые визуальные миры, где возможен синтез чуда человеческих (или не человеческих) возможностей и чудес науки. Бытовых вещей и метафизических смыслов. Екатерина Сысоева в своей графике обращается к неоромантизму, как к одной из основ метамодернизма или новой искренности.

Екатерина Сысоева родилась и работает в Москве. Участвовала в выставках в России, Казахстане, Израиле. Ее работы находятся в частных коллекциях в России, Европе и США.

EKATERINA SYSOEVA

Watercolor is literally a means of communication with the world and with oneself for Ekaterina Sysoeva. She captures ordinary life, focuses on details, and reveals her characters through this complex interplay of planning and improvisation in watercolor. Sysoeva's artistic statement is a kind of response and reaction to the uncertainty of reality: inverted meanings and concepts of the surrounding reality suggest a language of absurdity. Her works are like a gateway to new visual worlds, where the synthesis of the wonder of human (or non-human) potential and the wonders of science is possible. Of everyday objects and metaphysical meanings. In her graphics, Ekaterina Sysoeva turns to neoromanticism as one of the foundations of metamodernism or new sincerity.

Ekaterina Sysoeva was born and works in Moscow. She has participated in exhibitions in Russia, Kazakhstan, and Israel. Her works are in private collections in Russia, Europe, and the United States.

ВИКТОР ЭЛЬ-САФАДИ

Виктор Эль-Сафади, словно наследуя у Эль Греко изломанность линий, напряженные силуэты, деформированность и нереалистичность форм, зачаровывает цветом, волнует, заставляет задуматься, буквально гипнотизирует. Манера письма Эль-Сафади одновременно и экспрессивная, стремительная – это ощущение дают никогда не застывающие, стремящиеся в вечном движении, композиции его работ, - и геометрично-точная. Удивительные миры, запредельные пространства, завораживающая игра персонажей в работах Эль-Сафади - это настоящий трансцендентный опыт, расширение границ восприятия.

Виктор Андрэ Эль-Сафади - член союза художников Санкт-Петербурга (СХР) и в Творческого союза художников(IFA), живет и работает в Санкт-Петербурге, участник выставок в Союзе художников, а также в многих городских и международных выставок.

VICTOR EL-SAFADI

Victor El-Safadi, while inheriting from El Greco the broken lines, tense silhouettes, deformation, and unreality of forms, enchants with color, disturbs, makes you reflect, and literally hypnotizes. El-Safadi's style of writing is both expressive and swift - an impression given by the compositions of his works, which never freeze and strive in eternal motion - and geometrically precise. The amazing worlds, otherworldly spaces, and mesmerizing game of characters in El-Saafadi's works are a true transcendent experience, an expansion of the boundaries of perception.

Victor Andre El-Safadi is a member of the St. Petersburg Union of Artists (SXR) and the International Federation of Artists (IFA), lives and works in St. Petersburg, and has participated in exhibitions at the Union of Artists as well as many city and international exhibitions.

ЕЛЕНА КИНОВАРЬ

Елена Киноварь экспериментирует со стилями и манерой живописи, то отдавая дань импрессионистам, то создавая серию оммажей арт-деко Тамары Лемпика, то поражая зрителя монументальными по формату работами в жанре гиперреализма. Но в каком бы жанре не работала Елена, мы везде наблюдаем виртуозное мастерство владения цветом, умение увидеть и передать уникальные сочетания тепнохолодности в пейзажах, умение создавать любое пространство, схватывать красоту в обыденных движениях и позах, передавать настроение. Реставратор масляной станковой живописи, художник и историк искусства.

Петрова Елена (Киноварь) родилась 19 ноября 1974 года в Новосибирске.

1991-1994гг. – учеба в Московском художественном училище памяти 1905 года.

1996-2002гг. – учеба в Санкт-Петербургском государственном академическом институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина.

С 2000 года - член Творческого Союза Художников России.

ELENA KINOVAR

Elena Kinovar experiments with styles and techniques of painting, paying tribute to the Impressionists, creating a series of homages to Tamara de Lempicka's Art Deco, and impressing viewers with monumental hyperrealistic works. 

But no matter the genre Elena works in, we can always observe her virtuoso mastery of color, her ability to see and convey unique combinations of warmth and coldness in landscapes, her skill at creating any space, capturing beauty in everyday movements and poses, and conveying mood. 

Elena Petrova (Kinovar) was born on November 19, 1974 in Novosibirsk. From 1991 to 1994, she studied at the Moscow Art School named after the year 1905. From 1996 to 2002, she studied at the St. Petersburg State Academic Institute of Painting, Sculpture and Architecture named after Ilya Repin. Since 2000, she has been a member of the Creative Union of Artists of Russia. She is a restorer of oil painting on canvas, artist, and art historian.

АНДРЕЙ БИЛЬЖО

Отец-создатель знаменитого Петровича, психиатр с ключиком из программы «Итого», Андрей Бильжо – гениальный карикатурист. Но за маской шутника и клоуна всегда скрывается самый добрый и романтичный герой любой сказки, даже если она страшная.

Член Союза художников России и Союза дизайнеров России. Академик Академии графического дизайна с 1999 года (с 2007 — вице-президент) и почётный член Российской академии художеств. Лауреат ряда профессиональных премий.

С 1975 года начал печататься как карикатурист в газетах «Московский комсомолец», «Литературной газете», «Собеседник» и других периодических изданиях. С 1989 года занимается живописью. Пятнадцать лет работал в издательском доме «Коммерсантъ» главным художником-карикатуристом. Именно в это время появился его известный персонаж «Петрович», благодаря которому Бильжо и получил известность как художник-карикатурист.

В 2000х годах – участник многих телепроектов, наиболее известный из которых – программа «Итого» с Виктором Шендеровичем.

В 2007 году Google запустил визуальную рекламную кампанию в Интернете на основе рисунков Андрея Бильжо. 

Андрей Бильжо - участник десятков выставок в России, Германии, Бельгии, Голландии, Италии, США, в том числе персональных в Москве (1993, 1994, 2003,2005,2012,2013), Перми (2010), Берлине (1991),Брюсселе (1989), Дюссельдорфе (1995). Среди них «Происшествия» в Крокин галерее (Москва, 2007), «Петрович и не только» (Пермский государственный художественный музей, 2010), «Это не всё» (Мультимедиа Арт Музей, Москва, 2012), «Мои классики. Продолжение» и «Роза Азора» (Москва, 2012) «Андрей Бильжо в ММОМА» (Москва, 2013).

ANDREI BILZHO

Andrei Bilzho, the father-creator of the famous Petrovich and a psychiatrist with a key from the program "Itogo," is a brilliant caricaturist. But behind the mask of a jester and a clown there is always the kindest and most romantic hero of any fairy tale, even if it is a scary one.

Bilzho is a member of the Union of Artists of Russia and the Union of Designers of Russia, an academician of the Academy of Graphic Design since 1999 (since 2007, its vice president) and an honorary member of the Russian Academy of Arts, and a winner of several professional awards. 

Since 1975, he began to publish caricatures in newspapers such as "Moskovsky Komsomolets", "Literaturnaya Gazeta", "Sobesednik", and other periodicals. Since 1989, he has been engaged in painting. 

He worked for fifteen years at the publishing house "Kommersant" as the chief artist-cartoonist. It was during this time that his famous character "Petrovich" appeared, thanks to which Bilzho became known as a cartoonist. In the 2000s, he participated in many TV projects, the most famous of which is the program "Total" with Viktor Shenderovich. In 2007, Google launched a visual advertising campaign on the Internet based on the drawings of Andrey Bilzho. 

Andrey Bilzho has participated in dozens of exhibitions in Russia, Germany, Belgium, the Netherlands, Italy, the USA, including personal exhibitions in Moscow (1993, 1994, 2003, 2005, 2012, 2013), Perm (2010), Brussels (1989), Berlin (1991), Dusseldorf (1995). Among them are "Incidents" at the Krokus Gallery (Moscow, 2007), "Petrovich and not only" (Perm State Art Museum, 2010), "This is not all" (Multimedia Art Museum, Moscow, 2012), "My Classics. Continuation" and "Rose Azora" (Moscow, 2012), "Andrey Bilzho” in MMOMA" (Moscow, 2013).

КОНСТАНТИН КОРНАКОВ

Архитектурные, минималистичные, графичные, геометрически выверенные работы Константина Корнакова разрушают устоявшиеся со времен Брейгелей стереотипы о пейзажах. Дорожные рабочие и сигнальные конусы, сотрудники. ДПС, провода и знаки – к ним не принято относится как к высокохудожественным объектам, уместным в пейзажном жанре. Но Константин уделяет особое внимание обыденности, соединению рукотворного и нерукотворного, прогнозируемую и непрогнозируемую геометрию окружающего пространства и создает настоящую поэзию обыденности. 

Четыре цвета – серый, белый, черный и оранжевый. Пятна и линии. Каждый раз повторяясь из серии в серию – «МКАД», «Оранжевые Жилеты», «Пляжный Волейбол» - это минималистичное высказывание художника рождает удивительное ощущение эстетики и гармонии.

Константин Корнаков - художник, дизайнер, фотограф. Он родился в 1970 году в Москве. Художественное образование получил в МВХПУ Строганова, Московской Tекстильной Академии, художественно-графический факультет. Занимается дизайном и рекламой. Последние годы занимается развитием собственных проектов в сфере визуального искусства и видео арта.

В основе творчества лежат несколько идей:

• Исследования природных эстетических кодов в вещах, в которых исторически не принято находить эстетику.

• Исследования фактурных взаимодействий поверхностей, эстетики нерукотворных тектонических композиций.

• Особое место занимает понимание необходимости в современном мире создания интерактивности в общении продукта творчества и зрителя. Создание "живого" творчества, многосторонних работ, картин-трансформеров, картин, которые могут меняться по желанию и настроению человека.

• Художник активно исследует возможности визуального расширения художественной палитры.

KONSTANTIN KORNAKOV

Konstantin Kornakov's architectural, minimalist, graphic, and geometrically balanced works shatter long-standing stereotypes about landscapes dating back to the time of Bruegel. Road cones, signal cones, traffic police officers, wires, and signs are not usually regarded as high-art objects appropriate for the landscape genre. However, Konstantin pays special attention to everyday objects, the combination of hand-made and non-hand-made elements, the predictable and unpredictable geometry of the surrounding space, and creates real poetry of the ordinary.

Four colors - gray, white, black, and orange. Spots and lines. Repeated from series to series - "MKAD", "Orange Vests", "Beach Volleyball" - this minimalist statement by the artist creates an amazing sense of aesthetics and harmony.

Konstantin Kornakov is an artist, designer, and photographer born in Moscow in 1970. He received his art education at the Moscow State University of Applied Arts and Crafts named after Stroganov, the Moscow Textile Academy on the Faculty of Fine Arts and Graphics. He works in design and advertising. In recent years, he has been developing his own projects in the field of visual arts and video art.

Several ideas underlie his creative work:

• Exploration of natural aesthetic codes in things where historically aesthetics are not supposed to be found.

• Exploration of textural interactions between surfaces and aesthetics of non-hand-made tectonic compositions.

• Special attention is paid to the need to create interactivity in the communication between the product of creativity and the viewer in the modern world. Creating "living" art, multi-faceted works, transformer paintings, paintings that can change according to people's wishes and moods.

• The artist actively explores the possibilities of expanding the visual palette of art.

ИГОРЬ ВОЛКОВ

Редкое мастерство графика раскрывается через монохром акварели. «Watercolor Dark Industrial» - так Игорь сам называет направление, в котором работает, обращаясь в своей графике к внутренней сути городов, вещей, знаков, к природе людей, их потаенных страхов и дорогих воспоминаний.

Игорь Волков ведет закрытый образ жизни, практически не контактируя с внешним миром, раскрывая все свои внутренние рефлексии, впечатления, состояния, осознания и воспоминания через свои работы. Все, что художник хочет сказать миру, он говорит своими работами.

IGOR VOLKOV

The rare artist`s talent is unleashed through monochrome watercolors. "Watercolor Dark Industrial" is what Igor himself calls the direction in which he works, addressing the inner essence of cities, things, signs, as well as the nature of people, their hidden fears, and precious memories in his graphics.

Igor Volkov leads a closed lifestyle, practically not interacting with the outside world. The artist directs all his internal reflections, impressions, states, claims and memories into his art. Everything he wants to say to the world, he expresses through his works, and we respect his right to do so.

АЙДАН САЛАХОВА

Айдан Салахова родилась в Москве в 1964-ом году. Выпускница Художественного института им. В.И. Сурикова, академик Академии художеств РФ. Ее живопись и графика отличаются черно-золотой палитрой, вниманием к орнаменту и силуэту, точностью линий. 

Айдан Салахова — одна из первых на постсоветском пространстве начала работать с темами гендерных ролей и положения женщины. Участница Венецианской биеннале (1990, 2011) и других многочисленных проектов в России и за рубежом, включая персональную выставку в Галерее Саатчи в Лондоне, Русском Музее в Петербурге, галерее Quadro Fine Art Gallery в Дубае.

AIDAN SALAKHOVA

Aidan Salakhova was born in Moscow in 1964. She is a graduate of the Surikov Institute of Fine Arts and an academician of the Russian Academy of Arts. Her painting and graphics are characterized by a black and gold palette, attention to ornamentation and silhouette, and precise lines.

Aidan Salakhova has participated in the Venice Biennale (1990, 2011) and numerous other projects in Russia and abroad, including a solo exhibition at the Saatchi Gallery in London, the Russian Museum in St. Petersburg, and the Quadro Fine Art Gallery in Dubai.

Кирилл Аграновский — художник-аниматор студии «Рабочая Группа», Член Союза художников IFA, секция графики. 

Родился в Ленинграде, обучался в Ленинградском Индустриальном техникуме строительных материалов и деталей, а с 1998 по 2000 годы учился видеорежиссуре в Санкт-Петербургском государственном университете культуры и искусств.

Kirill Agronovsky is an artist-animator at the studio "Rabochaya Gruppa" (The Working group) and a member of the Graphic Arts Section of Union of Artists IFA. He was born in Leningrad and studied at the Leningrad Industrial Technical School of Building Materials and Parts. From 1998 to 2000, he studied video directing at the Saint Petersburg State University of Culture and Arts.

ЛЮДМИЛА ПЕТРУШЕВСКАЯ

Писатель, поэт, драматург, художник, сказочница, режиссер восьми собственных анимационных фильмов («Студия ручного труда»), композитор и певица, создатель бродячего театра «Кабаре Людмилы Петрушевской», общественный активист и оппозиционер, благотворитель. 

Людмила Петрушевская уникальна и неподражаема. Ее литературные произведения и пьесы переведены на более, чем на 20 языков. Ее работы входят в программу многих европейских и американских университетов. Её драматургические произведения ставятся в России и за рубежом.

В 1991 году была под следствием по факту оскорбления президента М.С. Горбачева. Поводом послужило письмо в Литву после ввода в Вильнюс советских танков, перепечатанное в Вильнюсе. Дело было закрыто в связи с отставкой президента.

Людмила Петрушевская – Лауреат Международной премии «Alexandr Puschkin» (1991, Гамбург), Государственной премии РФ в области литературы и искусства (2002), Независимой премии «Триумф» (2002), Бунинской премии, Театральной премии имени Станиславского, Всемирной премии фэнтези (World Fantasy Award) за сборник «Жила-была женщина, которая пыталась убить ребёнка своей соседки», юмористической премии «Малый Золотой Остап» за сборник «Дикие животные сказки» и др.

Академик Баварской академии искусств.

LYUDMILA PETRUSHEVSKAYA

Lyudmila Petrushevskaya is a Russian writer, poet, playwright, artist, fairy tale author, director of eight of her own animated films ("Handmade Studio"), composer, singer, creator of the traveling theater "Cabaret of Lyudmila Petrushevskaya," public activist, oppositionist, and philanthropist. She is unique and incomparable. Her literary works and plays have been translated into more than 20 languages. Her works are included in the programs of many European and American universities. Her dramatic works are staged in Russia and abroad. In 1991, she was investigated for insulting President M.S. Gorbachev. The reason was a letter to Lithuania after the introduction of Soviet tanks into Vilnius, reprinted in Vilnius. The case was closed due to the resignation of the president. Lyudmila Petrushevskaya is the Laureate of the International Prize "Alexandr Pushkin" (1991, Hamburg), the State Prize of the Russian Federation in Literature and Art (2002), the Independent Prize "Triumph" (2002), the Bunin Prize, the Stanislavsky Theater Prize, the World Fantasy Award for the collection "There Once Lived a Woman Who Tried to Kill Her Neighbor's Baby," the humorous prize "Little Golden Ostap" for the collection "Wild Animal Fairy Tales," and others. She is an academician of the Bavarian Academy of Arts.

Барвенко Виктор Петрович (1933-2016).

Виктор учился в МВХПУ (1950-58) на отделении монументально-декоративной живописи у Г.М.Коржева, С.В.Герасимова, С.А.Павловского, Н.Х.Максимова, В.Е.Егорова, Г.И.Опрышко.

Исполнил росписи в Москве: в здании ресторана «Пекин» (1958), рельефа в гостиной Посольства Китая (1959), на торцовых стенах ресторанов «Узбекистан» (1961) и «Чайка» (1963), в зале «Семь красавиц» ресторана «Баку» (1974-75), потолков ресторана «Прага» (1976).

Участник выставок – с 1953. Всесоюзная выставка «40 лет ВЛКСМ» (Москва, 1958), Всесоюзная художественная выставка (1961). Биеннале в Венеции (1964).

Картины находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Музее изобразительных искусств Республики Карелия, Новокузнецком художественном музее.

Victor Petrovich Barvenko (1933-2016).

Victor studied at the Moscow Higher Art and Technical Institute (1950-1958) in the department of monumental and decorative painting under G.M. Korzhev, S.V. Gerasimov, S.A. Pavlovsky, N.Kh. Maximov, V.E. Egorov, and G.I. Opryshko.

He executed murals in Moscow, including the decoration of the "Pekin" restaurant (1958), the relief in the living room of the Chinese Embassy (1959), the end walls of the "Uzbekistan" (1961) and "Chaika" (1963) restaurants, the hall of "Seven Beauties" in the "Baku" restaurant (1974-75), and the ceilings of the "Praha" restaurant (1976).

He participated in exhibitions starting from 1953, including the All-Union Exhibition "40 Years of the VLKSM" (Moscow, 1958), the All-Union Art Exhibition (1961), and the Venice Biennale (1964).

His paintings are held in the State Tretyakov Gallery, the State Russian Museum, the Museum of Fine Arts of the Republic of Karelia, and the Novokuznetsk Art Museum.